Chaque année, il y a des films injustement boudés, méprisés ou tout simplement ignorés par le public. Si cette indifférence a souvent un lien avec la qualité intrinsèque du film, la notoriété d'un film repose malheureusement sur la communication journalistique.
Mr. Nobody fait partie de ces films qui essuient la vindicte de l'aréopage des journaleux, subissent l'ostracisme injuste des "docteurs es cinéma" de la critique. On se demande parfois si nos chers "professionnels" du je-m'assis-pour-regarder-un-film sont encore du côté de l'art - tout entier - du cinéma.
A force de les lire, on comprend qu'ils ont une logique d'encensement et de mépris qui reposent avant tout sur un paradigme du cinéma (pour reprendre la notion de Thomas Kuhn) fondé non pas sur la recherche de l'innovation mais sur des préjugés et des réseaux.
Schématiquement, on pourrait résumer leur modèle de pensée en 4 points :
1. Le cinéma-sujet, restreint à une production limitée qui traite d'un thème bobo sur les problèmes de couple, d'adolescence, de pauvreté ouvrière ou d'intégration nationale, sans implication de l'auteur dans la mise en scène comme dans le sujet est LE vrai cinéma. Le cinéma moderne, quoi, celui qui n'est pas construit, qui dit le vrai, montre la réalité (sic) à la bourgeoisie qui aime se rassurer de son bien-être devant l'étendue des problèmes du monde. De la complaisance polie en somme.
2. L'auto-congratulation du cinéma des copains ou de ceux qui ont déjà une réputation monolithique et qu'il convient de récompenser. Peu importe si ces cinéastes n'inventent plus rien ou régressent sur plusieurs points, ils bénéficient de la couverture assurance-presse qui va avec.
3. Le cinéma-artifice, fait de ce qu'ils pourraient appeler "fioritures", à la mise en scène intentionnellement démonstrative et cohérente avec le propos développé par l'auteur est LE mal. C'est le cinéma américain dans sa très large majorité qui n'a pas peur d'abuser du langage du cinéma, celui de l'image et du son, avant même de celui de la littérature.
4. Et puis, il y a des petits cinéastes qui développent un style mais tentent avec audace, quelque chose de différent, quitte à se ranger parfois du côté du cinéma "fabriqué" américain. Ils sont rares, mais souvent courageux parce qu'ils ont des grandes intentions - parfois brouillonnes - mais des moyens relativement modestes. Malheureusement pour ceux là, il faut choisir son camp, et ne pas regarder du côté de la catégorie 3. On ne peut pas être un auteur et un formaliste. La réalité du monde ne peut s'entâcher d'un parti-pris esthétique et d'un propos ambitieux.



Et voilà que Jaco Van Dormael a le mauvais goût de se retrouver dans la catégorie maudite. Celui qui est responsable d'un film bien français sur le problème de la maladie mentale (Le huitième jour) a eu le malheur de vouloir parler d'universalité et d'abstraction physique sur le monde et les humains, avec des stars internationales, le tout en anglais. Aïe.
Mais quelle mouche a piqué le cinéaste belge pour avoir cette envie subite de film amerloc, avec du futur, des gros buildings, des vaisseaux, de la planète Mars et des ados qui s'aiment ? Les journalistes s'interrogent encore sur cette idée saugrenue qui mêle les sentiments humains, le temps et le questionnement métaphysique, avec des sous et des images léchées. Quand on est un cinéaste respectée de catégorie 1, on aborde ces questions de manière "réaliste", dans l'univers d'une chambre d'appartement, avec des gens inconnus et mal habillés. Bah oui, la "vraie vie" (sic) ça se cueille, dans sa totalité, et ça se passe de réflexion, d'interprétation sur la manière dont  on y accède. C'est presque de l'incongruité, Jaco. Alors vous vous ferez pardonner en regardant religieusement deux films de deux cinéastes de catégorie 2: Smoking/No smoking et Le hasard. Message entendu.


M. Van Dormael, votre cinéma est malade, parce que pollué de recherche de positionnement de caméra, de lumière abstraite, de faux décors, bref d'une mise en scène qui cherche à donner du relief au cinéma, cet art du langage des images en mouvement. C'est surfait, pas assez désincarné et désossé de la fioriture américaine. Vos acteurs manquent de la rigidité habituelle des drames français qui évoquent les sentiments tout comme de l'écriture ampoulée qui convient à toute romance malheureuse évoquant des regrets. Révisez votre étalon en la matière : Un conte de Noël.
Comment osez-vous sous la houlette de maisons de productions francophones, dresser la terrible démonstration de l'instantanéité des moments de la vie, de manière si fragmentée et si déconstruite comme si la vie ne se voyait pas dans son ensemble, qu'elle ne pouvait être abordée sans montage et de manière holistique.
Quel est ce crime que celui de tenter de pervertir vos maîtres et compatriotes Jean-Pierre et Luc Dardennes, avec votre tentative de romance interdimensionnelle, alors qu'il n'y a qu'une dimension à rechercher : celle de "la vie à filmer". Vous devez renoncer au statut de cinéaste, comme celui d'artiste, c'est à dire renier l'implication personnelle, l'interprétation, la mise en scène. Vous devez faire de la mise en situation, et montrez à tous que la caméra et le cinéaste doivent disparaître pour montrer les sujets que personne n'a jamais vus.
Revenez dans le giron comme l'a fait un autre réalisateur américain qui a voulu abordé un thème similaire dans son The Fountain. Il n'y a pas d'élucubrations fantastiques dans la romance et l'introspection d'aujourd'hui. C'est bien connu, l'art du faux est celui de la publicité, pas celui des cinéastes. 

Un petit billet rapide pour vous souhaiter à tous mes voeux les plus sincères. Passé l'essentiel (santé, réussite), j'espère que l'année cinématographique 2010 sera réjouissante pour tous les cinéphiles que nous sommes !

Et comme à l'accoutumée, pour clôturer l'année 2009, je ferais un petit classement rétrospectif des oeuvres qui ont eu le mérite de faire parti de mon Top 10.  N'hésitez pas à glisser le vôtre dans les commentaires.

        Quentin Tarantino suscite de vives réactions dans la communauté cinéphile. D’aucuns lui vouent un véritable culte depuis le succès interplanétaire de Pulp Fiction. Ses partisans voient en lui le cinéaste-cinéphile qu’ils ne seront jamais. L’employé d’un video-store pote de Roger Avary (Killing Zoé, Les lois de l’attraction) est devenu le parfait exemple du self-made man du cinéma. C’est aussi et surtout LE geek du cinéma à faire fantasmer toute la communauté de jeunes ados cool à partir du milieu des années 90. Cependant, le personnage est loin d’être fédérateur.
C’est une icône parfaitement décriée par une autre tranche de cinéphiles horripilés par l’homme au débit de mitraillette, le flambeur m’as-tu-vu du cinéma de genre, l’égocentrique démesuré des festivals. Le principal grief adressé à l’artiste est celui d’être un pilleur de cinémas. Ses détracteurs lui reprochent de pomper allégrement le cinéma B et Z et d’avoir fonder son originalité et sa notoriété sur la méconnaissance du public des œuvres originales. Une sorte de « malhonnêteté » qui reste en travers de la gorge de certains amateurs du cinéma bis.

    En découvrant Inglorious Basterds, j’ai réalisé à quel point il était difficile de se cantonner à cette idée, tant son cinéma est complexe et intéressant. La personnalité de son art cinématographique se trouve quelque part dans l’espace qui s’établit entre les cinémas, les genres, les catégories (A, B et Z). D’une certaine manière, Inglorious Basterds est la démonstration construite et argumentée de ce qui fait de lui un auteur et non un compilateur.
La première chose qui surprendra tous ceux qui suivent la carrière du cinéaste est la grande sobriété de la mise en scène. Jackie Brown mis à part, on n’avait pas vu une telle réserve dans la direction des acteurs et le contrôle des espaces depuis les débuts du cinéaste. Dès l’ouverture, les plans en grand angle de la campagne donnent le ton. Tarantino sait où placer sa caméra, mais pas de n’importe quelle façon. La discussion qui s’entame dans la chaumière paysanne confirme la grande maîtrise du réalisateur. Tout est millimétré et pensé. La qualité des dialogues ont toujours été une force chez le réalisateur. Pas de longues diatribes envolées et gonflées aux hormones comme dans Boulevard de la mort, mais des répliques pesées et sèches comme un coup de trique. Les mouvements de la caméra sont limités mais les changements de focale sont utilisés pour construire la tension entre les personnages et le quiproquo de la situation. Les codes sont ceux du western. Que ce soit lors de la scène d’ouverture que pendant l’altercation dans la taverne, l’intensité des regards et l’aspect un peu factice des matériaux sont en décalage avec les principes des règles édictées par Hollywood concernant les films de guerre et les sujets sensibles comme la Seconde guerre mondiale.
Le réalisateur joue avec les codes de l’académisme cinématographique. A l’opposé de Walkyrie (2008) qui avait peu de distanciation par rapport à son sujet, Tarantino lui, fabrique un film qui de toutes pièces sent le surfait. Le cadre n’est pas réellement historique. Qu’importe, l’attention est portée sur l’interaction des personnages et la précision dans la manière de dépeindre les protocoles sociaux en vogue parmi la société allemande nazie. Le découpage de l’histoire en chapitres n’est pas nouveau. Cependant, contrairement aux films précédents, la cohérence du récit et des genres entre ses chapitres est relative. L’originalité du film tient sans doute à cet imbroglio d’intentions artistiques qui ne peuvent qu’être sciemment pensées pour mieux servir la cohérence de la démonstration. En cela, le récit (la manière dont est construire l’histoire et non le film) n’est pas au service du propos de l’auteur contrairement à la mise en scène et au montage.

    Un film anti-académique ? Inglorious basterds n’est pas qu’une simple diatribe contre les conventions, bien au contraire. Le notoire cinéphile de Tennessee offre au spectateur les références classiques du cinéma de l’époque. Le censuré Corbeau d’Henri-Georges Clouzot côtoie les films muets allemands (G.W Pabst, et l’acteur Emil Jannings, connu pour son rapprochement avec les idées nazies). Tarantino invite le spectateur à se pencher sur ce cinéma comme source d’inspiration pour réfléchir sur les sociétés de l’époque. Ces films d’auteurs sont devenus de nos jours l’adage de la culture des élites, en opposition avec le type de culture mis en valeur dans les films du cinéaste.
La logique semble alors évidente. Le bis peut-il, avec sa farce potache et sa grossièreté des traits, rencontrer et dialoguer avec le cinéma d’auteur pour servir des fins communes ? D’une certaine façon, Inglorious basterds est un exemple de dialectique possible entre les cultures et les cinémas.
La grande réussite de Tarantino et de son dernier film n’est pas de faire découvrir tout un pan de cinéma très lointain des préoccupations du grand public. Il est difficile de lui reprocher de n’être qu’un revanchard de la médiocrité (les séries B et Z sous les feux de la rampe de la série A). Il y a beaucoup de cinéastes dont son acolyte Robert Rodriguez qui le font tout très bien. Néanmoins sa grande qualité réside dans « l’étagement » de la réflexion de son film, et sa manière de faire communiquer les cinémas, les codes. C’est un cinéma qui se regarde faire, composer et qui réfléchit à la manière de rassembler et de fédérer les sensibilités de chacun d’entre nous. Une sorte d’œcuménisme cinématographique, l’intention doctrinale en moins.

Dans un livre paru l'année dernière et dédié au cinéma d'horreur, Paul Duncan propose une nouvelle expression pour qualifier un type de cinéma qui est né d'un besoin de spectateur sans intention artistique évidente. L'auteur appelle cela de la torture pornographique, un courant initié par des films commerciaux qui n'ont d'autres motivations que de satisfaire la soif d'images extrêmes. Toutes les séquelles qui ont suivi Saw ne font que confirmer l'aspect vénal de la chose au détriment d'une véritable singularité de message et de forme.

Le film de Pascal Laugier est une entreprise qui a peu à envier (sic) avec les films cités. Pire encore, sa roublardise est peut-être plus nauséabonde dès lors qu'on se pose comme film de genre auteurisant. Il est vain de vouloir définir ce qu'est un film d'auteur, mais il est question bien souvent de message, d'investissement personnel, de liberté de ton et de forme.
Martyrs peine à rentrer dans ce cadre car il n'a déjà rien à raconter. C'est une succession de plans sans saveur qui font du choc de la violence un credo, une idéologie. J'entends déjà le haro des amateurs de genre qui me soulignent cette magnifique escroquerie du message sur la martyrologie. Non seulement Laugier n'a rien à montrer, mais il n'a également rien à dire. Peut-on vraiment affirmer avec sérieux, de sa part comme des critiques, que le film aborde intelligemment le thème complexe du martyr et de son martyre ? Trois lignes de dialogues sur la transfiguration, un plan sur une nénette agonisant avec les yeux livides  tournés vers le ciel suffisent-ils à cela ? Non. Des effets ridicules et grossiers comme celui d'un zoom dans l'oeil qui doit faire comprendre au spectateur la blancheur et la lumière de la transcendance du martyr sont-ils autre chose que de la facilité racoleuse ? La prétention du cinéaste à vouloir traiter d'un sujet délicat n'a d'égal que la lourdeur, la vulgarité et le kitschissime du message et de sa forme.

La mise en scène ne sauve pas les meubles. Le réalisateur comme ses fans me rétorqueront sans doute que ce minimalisme est loin des standards des films américains cités précédemment. Il faut les croire, le cinéma minimaliste qui croît désespérément faire accéder au réel par la négation même de la création d'un espace, d'un cadre artistique est le véritable cancer du cinéma d'auteur francophone. Les vrais films (sic) sont donc ceux qui font croire qu'ils ne sont pas putassiers et donc plus "vrais".
Peut-on faire moins que le minimalisme ? Oui,  se contenter pour mise en scène de décors et de personnages in situ. Le minimalisme est surement l'adversaire de la variation des procédés, de caméra, de lumière.  Un plan de pleurs, un fondu. Un coup, un fondu. Un pipi, un fondu. Un hématome, un fondu. Les 15 ou 20 minutes consacrées au martyre de la jeune fille sont d'une pauvreté artistique qui ferait pouffer de rire Mark Lester et n'importe quel cinéphile se lançant dans la réalisation d'un court-métrage.
Martyrs a suscité de grands débats quant à son interdiction au moins de 18 ans et sa non-distribution dans les salles de cinéma. Fort heureusement pour Pascal Laugier, cette médiatisation a eu le privilège de maquiller la grande vacuité de son film. L'interdiction avait presque du bon. C'est vrai, ça devrait être interdit d'être aussi nul, prétentieux et hypocrite.